A new ensemble culture arises through the cooperation of traditional musical practices with the possibilities of the digital music editing and communication: Rehearsal rooms, concert podium, digital music editing, and the internet do not create any contradiction, but rather open up a homogeneous, promising space for creativity and performance.

Information science and algorithms play a central roll in digital technology. Algorithmic (rule-based operations) can be traced by to the beginning of music. This particular connection between traditional and innovative musical thinking underscores the omnipresence of algorithmic composing in all musical genres. Knowledge of this per se deepens digital-musical skills. Programming electronic music in a playful design process broadens the understanding of "historic" music with new perceptions and can at the same time set their own creative processes in motion.

Particular attention is paid to the spatial sound parameter. An environment arises in the domain of sound with help from dome-shaped suspended speakers, with which sounds from anywhere can be placed around the listeners. This immersive environment can involve the listeners more in the sound.

Successful audiovisual performances (stagings in a space  with music, light, picture, and movement) are based on well thought-out scenographic concepts. The possibilities for new performance formats extend from sculpture and picture production, video editing, and interactive exhibitions all the way to music and dance live performances with space and motion tracking

A whole new horizon opens up in both augmented and virtual realities, in which the interplay of digital technologies and artistic practice is explored. Systems of augmented and virtual reality are captivating more and more people, since sound, music, and visual environments can not only be experienced through them, but also experienced multimodally and holistically.

Digital media forms of communication and concepts of artistic identity are "State of Art." Strategy development, a digital portfolio, and social media presence are therefore core competencies for musicians in the digital age. To be able to reach the desired target groups, strategies for analysis and implementation of a personal communication concept are also required in addition to a high level of musical expertise.

According to the definition from the dictionary "Aesthetic Basics" by Heinz Hirdina, design means  "the aestheticallyspecific design of industrially reproducible commodities." Carried over to muusic, one speaks about applied music - music, that is written and used for a specific purpose. A music-related design theory is occupied with questions of form and aesthetics: How do music and application context relate to each other? How is this music formed and how can it be systematized? In addition to established forms such as film music, new areas of applied music that are emerging as a result of technological developments, for example in virtual environments, are particularly exciting.

Digital musical instruments expand creative and receptive processes into a "media-morphosis" or "mediatization." These changes occupy old, traditional fields of musicology and simultaneously create new areas of musicological research and development in systematic, artistic, and pedagogical views.

An article by Philipp Ahner and Christina Zenk

Digitality and technological transformation support and demand new ways and topics in the area of learning and teaching. With both research projects, "Klang Apps" and "Making Music with Smartphones" the State Center is dedicated to relevant processes and their development in schools, music schools, and cultural institutions as part of the professorship for music pedagogy and music didactics in the context of digital media.

Music-related learning and creation processes with mobile devices are complex interactions that take places between the people involved, musical practices, and digital technology.  Which apps are suited for which learning and creation processes and which music-related skills do the learners develop through the apps? The offerings of music-related applications and software solutions is unclear in the meantime. In the Apple App Store and Google Play, there are already 100,000 music-related apps available. Out of this necessity, ways were sought to arrange, select, and use apps for music in school in a targeted manner. The result is a cluster model that arranges the apps - similar to human actions - by their competencies and is based on four fields of activity/professions for which the use of the apps were primarily designed. All apps are connected by the handling sounds (KlangAPPs).

More about KlangAPPs - Cluster model and Communities

The research project "Make music with Smartphones" focuses on collaborative phases of music-making and creation of music with smartphones in music lessons in secondary schools. In this article, the authors focus on the interplay of music, teaching, and things related to design principles and local teaching-learning theories. Based on an iterative approach to the subject matter in connection with teaching-learning theories and corresponding design principles, it is advocated to abandon the distinction between a development and a research process in favor of a research process that includes both practical and theoretical dimensions. An essential moment is in relation to the concept of "design" in its diverse dimensions for this research project and in both didactic and empirical perspectives.

First results

Combining our physical world with digital information – pictures, videos, text – in real time is brand-new. In Summer 2016 countless players hunted virtual fantasy creatures with their smartphones on the streets and squares. Tools of so-called augmented reality have been used for much longer, e.g. with the virtual offside line in live football broadcasts. And Navigation apps, which project the  route instructions directly on the screen are no longer dreams of future.

An article by Christina Zenk

Durch das Zusammenwirken von traditionellen musikalischen Praxen mit den Möglichkeiten der digitalen Musikbearbeitung und Kommunikation entsteht eine neue Ensemblekultur: Proberaum, Konzertpodium, digitale Musikbearbeitung und Internet bilden keine Widersprüche, sondern eröffnen einen homogenen, perspektivenreichen Raum für Kreativität und Performance.

Informatik und Algorithmik spielen die zentrale Rolle in der digitalen Technologie. Algorithmisches, also regelbasiertes Agieren lässt sich aber auch bis in die Anfänge der Musik zurückverfolgen. Diese besondere Verbindung zwischen traditionellem und innovativem musikalischen Denken unterstreicht die Omnipräsenz algorithmischen Komponierens in allen musikalischen Genres. Die Kenntnisse darüber vertiefen per se digital-musikalische Kompetenzen. Das Programmieren von elektronischer Musik in spielerischen Gestaltungsprozessen erweitert das Verständnis von „historischer“ Musik mit neuen Sichtweisen und kann zugleich eigene kreative Schaffensprozesse in Gang setzen.

Ein besonderes Augenmerk liegt auf dem Parameter Raumklang. Mithilfe von kuppelförmig aufgehängten Lautsprechern entsteht im Klangdom ein Environment, mit dem sich Klänge an beliebigen Orten rund um den Hörer herum platzieren lassen. Diese immersive Umgebung kann den Hörer stärker in das Klanggeschehen einbinden.

Gelungene audiovisuelle Performances, also Inszenierungen im Raum mit Musik sowie Licht, Bild und Bewegung, gründen auf durchdachten szenographischen Konzepten. Die Möglichkeiten für neue Performance-Formate reichen von Skulptur- und Bildinzensierung, Videoarbeiten und interaktiven Ausstellungsexponaten bis hin zu musikalisch-tänzerischen Live-Performances mit Raum- und Bewegungstracking.

In erweiterten als auch in virtuellen Realitäten eröffnet sich ein ganz neuer Horizont, in dem das Zusammenspiel von digitalen Technologien und künstlerischer Praxis ausgelotet und künstlerisch erforscht wird. Systeme der erweiterten und virtuellen Realität ziehen immer mehr Menschen in ihren Bann, da Sound, Musik und visuelle Umgebungen nicht nur erfahrbar, sondern multimodal und ganzheitlich erlebbar sind.

Digital-mediale Vermittlungsformen und -konzepte der künstlerischen Identität sind „State of the Art“. Strategieentwicklung, ein digitales Portfolio und die Präsenz in sozialen Netzwerken sind daher Kernkompetenzen von Musiker*innen im digitalen Zeitalter. Um die anvisierten Zielgruppen erreichen zu können, werden neben der hohen musikalischen Expertise auch Strategien für die Analyse und Umsetzung eines persönlichen Kommunikationskonzeptes benötigt.

Der Definition aus dem Wörterbuch Ästhetische Grundbegriffe von Heinz Hirdina folgend meint Design „das ästhetisch bestimmte Entwerfen von industriell reproduzierbaren Gebrauchsgegenständen“. Auf Musik übertragen spricht man von Angewandter Musik – Musik, die zu einem bestimmten Zweck geschrieben und funktionalisiert wird. Eine musikbezogene Designtheorie beschäftigt sich mit Fragen ihrer Gestaltung und Ästhetik: Wie beziehen sich Musik und Anwendungskontext aufeinander? Wie sind diese Musiken gestaltet und wie lassen sie sich systematisieren? Neben etablierten Formen wie der Filmmusik sind gerade neue, aufgrund technologischer Entwicklungen entstehende Bereiche der Angewandten Musik, beispielsweise in virtuellen Umgebungen, besonders spannend.

Digitale musikalische Instrumente erweitern in einer Mediamorphose bzw. Mediatisierung kreative und rezeptive Prozesse. Diese Veränderungen beschäftigen alte traditionelle Wissenschaftsfelder und schaffen zugleich neue Bereiche wissenschaftlicher Forschung und Entwicklung in systematischer, künstlerischer und pädagogischer Sichtweisen.

Ein Beitrag von Philipp Ahner und Christina Zenk

Digitalität und technologische Transformationen fördern und erfordern auch im Bereich des Lernens und Lehrens neue Wege und Inhalte. Mit den beiden Forschungsprojekten „Klang Apps“ und „Musik erfinden mit Smartphones“ widmet sich das Landeszentrum im Rahmen der Professur für Musikpädagogik und Musikdidaktik im Kontext digitaler Medien relevanten Prozessen und deren Weiterentwicklung im Bereich von Schule, Musikschule und Kulturinstitutionen.

Musikbezogene Lern- und Gestaltungsprozesse mit digitalen mobilen Endgeräten sind kom­plexe Interaktionen, die sich zwischen handelnden Personen, musikalischen Praxen und digi­talen Technologien vollziehen. Welche Apps eignen sich für welche Lern- und Gestaltungs­prozesse und welche musikbezogenen Kompetenzen entwickeln die Lernenden durch Apps? Das Angebot an musikbezogenen Applikationen und Softwarelösungen ist mittlerweile un­überschaubar. Alleine im App- bzw. PlayStore werden jeweils nahezu 100.000 musikbezo­gene Apps angeboten. Aus dieser Notwendigkeit heraus wurde nach Wegen gesucht, Apps für Musik in der Schule zu ordnen, auszuwählen und zielgerichtet für Lernprozesse einzusetzen. Das Ergebnis ist ein Cluster-Modell, welches die Apps – ähnlich dem menschlichen Handeln – nach ihren Kompe­tenzen ordnet und sich an vier Tätigkeits- bzw. Berufsfeldern orientiert, für die bzw. aus de­ren Anwendungskontext heraus die Apps primär konzipiert wurden. Alle Apps verbindet da­bei der Umgang mit Klängen (KlangAPPs).

Mehr zum Thema  KlangAPPs - Clustermodell und Communities

Erste Ergebnisse

Unsere physische Welt mit digitalen Informationen – Bilder, Videos, Texte – in Echtzeit zu kombinieren, ist nicht brandneu. Im Sommer 2016 jagten in einem regelrechten Hype um Pokémon Go unzählige Spieler mit ihren Smartphones über Straßen und Plätze um virtuelle Fantasiewesen zu fangen. Deutlich länger schon wird z.B. mit der virtuellen Abseitslinie in Fußball-Liveübertragungen auf Tools der sogenannten Augmented Reality zurückgegriffen. Und Navigations-Apps, die die Routenanweisungen direkt auf das Kamerabild von der realen Umgebung projizieren, sind auch keine Zukunftsmusik mehr.

Ein Beitrag von Christina Zenk